Née le 25 décembre 1911 à Paris (VIe arr.), décédée le 31 mai 2010 à New York (États-Unis). Peintre, dessinatrice, graveuse, sculptrice, Louise Bourgeois est l’une des artistes les plus importantes de la fin du XXe siècle. Figure singulière et pionnière, elle est devenue à partir des années 1990, malgré une reconnaissance tardive, une référence essentielle pour de nombreux artistes.

Très jeune, Louise Bourgeois dessine les parties manquantes des tapisseries que restaurent ses parents, dans l’atelier de Choisy-le-Roi puis d’Antony. Elle grandit dans un univers féminin de couturières, parmi les pelotes de fils de laine, les aiguilles et l’histoire de l’art. Sa mère, pragmatique et féministe, dirige le travail, tandis que son père collectionne les antiquités et court le jupon. Il introduit dans la maison sa maîtresse Sadie, une jeune Anglaise, engagée comme gouvernante pour les enfants. Cette double trahison, qui met en péril l’équilibre familial, perturbe profondément la jeune Louise, qui se sent manipulée par les adultes. Une faille s’ouvre… un traumatisme, qu’elle n’évoquera qu’en 1982 dans un texte intitulé « A child abuse », paru dans Artforum. Élève au lycée Fénelon, puis étudiante en mathématiques à la Sorbonne, elle suit dans les années 1930 les cours de diverses académies et écoles d’art. Après la mort précoce de sa mère, qu’elle a longtemps soignée et accompagnée pendant ses longs séjours dans le Midi, elle fait, en 1932, un voyage en Russie avec son professeur Paul Colin. Puis elle travaille avec son père qui tient une petite galerie d’art et d’antiquités boulevard Saint-Germain ; c’est là qu’elle rencontre en 1938 son futur époux Robert Goldwater, jeune étudiant américain qui vient de terminer sa thèse sur le primitivisme et l’art moderne. Elle l’épouse et part à New York, après avoir adopté un enfant français, Michel, qui la rejoindra en 1939. Elle aura par la suite deux autres garçons, Jean-Louis et Alain, qui tous deux portent son nom.

Ses premières peintures de la fin des années 1940 sont consacrées au thème de la femme-maison, omniprésent dans son oeuvre. Cette maison symbolise pour elle l’enfermement domestique, mais aussi la tension entre la géométrie et l’organique, le corps et l’architecture. Maison qui enferme mais aussi qui protège. Ne pouvant travailler dans leur logement trop étroit avec les trois enfants, Louise commence ses premières sculptures en bois sur la terrasse de leur immeuble. Ses sculptures totems et fétiches qu’elle appelle Personnages ont pour but d’exorciser le mal du pays. Puis elle traverse une longue période de dépression, consécutive à la mort de son père. Il faudra attendre l’exposition de Lucy Lippard, Eccentric Abstraction (1966), pour qu’elle puisse montrer à nouveau ses derniers travaux organiques, réalisés en plâtre ou en latex. C’est dans cette nouvelle série qu’elle réalise la célèbre Fillette (1968), grand pénis en latex qu’elle tient dans ses bras, dans la photographie de Robert Mapplethorpe. En 1973, après la mort de son mari, Louise jette par la fenêtre son four et, se libérant des astreintes ménagères, se consacre complètement à son travail artistique. Elle réalise en une oeuvre symptomatique la liquidation de l’autorité patriarcale : The Destruction of the Father (1974) : amoncellement de monticules en résine posés sur une table et évoquant l’intérieur d’une grotte, festin cannibale qui lui permet de régler ses comptes avec la figure du père. « C’était une pièce très meurtrière, dira-t-elle, une pulsion qui survient lorsqu’on est trop tendu et que l’on se retourne contre celui que l’on aime le plus » (Bourgeois, 1982).

Les années 1970 sont marquées par les marches féministes (No march, 1972) : elle soutient les protestations de jeunes artistes femmes et participe à de nombreuses expositions militantes organisées par le Mouvement de libération des femmes.

Louise Bourgeois a toujours eu une attitude ambivalente par rapport au mouvement féministe. C’est, pour elle qui vient d’une autre génération, indifférente aux questions du genre, « un dilemme qui ne se résout pas », confie-t-elle à Jacqueline Caux en 2003. Quand on lui pose la question précise de son appartenance au mouvement féministe, elle déclare : « je n’ai aucun commentaire à faire. Je suis une femme, je n’ai donc pas besoin d’être féministe » (Caux, 2003). Si son oeuvre est cependant revendiquée par de nombreuses artistes femmes, c’est qu’elle fut l’une des premières à parler ouvertement de l’ambivalence sexuelle – nous sommes tous homme-femme –, de l’érotisme, du privé et du politique, du corps et de la sexualité.

En 1983, elle a enfin une véritable reconnaissance grâce à la rétrospective organisée par Deborah Wye au Museum of Modern Art de New York. C’est la première fois que le musée consacre ainsi l’oeuvre d’une artiste femme. À partir de là, son oeuvre fait l’objet d’une reconnaissance nationale et internationale. Elle participe à Documenta, avec Precious Liquids (1992, Centre Pompidou, Paris), représente les États-Unis à la Biennale de Venise en 1995 et est présente dans toutes les grandes manifestations d’art contemporain. Elle inaugure alors un nouveau type de sculpture-assemblage, les Cells, cellules de bois ou cages de fer qui sont des lieux de mémoire lui permettant de réactiver, par la réunion d’objets disparates, les souvenirs d’enfance : Chambre des parents, Chambre des enfants (1995).

« Les féministes m’ont prise comme modèle, comme une mère. Mais ça m’ennuie. Ça ne m’intéresse pas d’être une mère. Je suis encore une fille qui cherche à comprendre qui elle est », déclare-t-elle en 1990 (Bourgeois, 2008). « Mon féminisme s’exprime dans un intérêt soutenu pour ce que font les femmes », déclare-t-elle à Donald Kuspit en 1988 (Kuspit, 1988). Elle a su en effet incarner dans son travail toutes les facettes de la féminité, y compris la maternité et la dimension phallique de la femme.

Ses dernières oeuvres sont consacrées au thème de l’araignée, qui représente sa mère fileuse et protectrice, à des gouaches sur le thème de la maternité et du couple, ainsi qu’à des sculptures molles en tissu, ou en morceaux de tapisserie, qui évoquent les âges de la vie.

• Références: Bourgeois L., dans Catalogue Louise Bourgeois, NY, Moma, 1982, p. 95 ; T44. Circa 1990. Dans Catalogue Louise Bourgeois, Paris Centre Pompidou, 2008. – Caux J., Tissée tendue au fil des jours, la toile de Louise Bourgeois, Paris, Le Seuil, 2003. – Kuspit D ., Louise Bourgeois, New York , Random House, 1988 ; dans Louise Bourgeois, écrits et entretiens, Paris, Lelong, 2000, p. 171.

• Oeuvres : Catalogue Louise Bourgeois, Paris, Centre Georges-Pompidou, 2008.

• Bibliographie : Bernadac M.-L., Louise Bourgeois, Paris, Flammarion, 2008. – Bernadac M.-L. & Obist H.-U. (éd.), Louise Bourgeois. Destruction du père. Reconstruction du père. Écrits et entretiens, Paris, Lelong, 2000. – DUC.

Marie-Laure Bernadac

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